talkCEEIPC

Boletín 4. Serie 2.

noreply@blogger.com (ceeipc) — Fri, 24 Aug 2007 17:24:00 +0000

Editorial

Una vez más tenemos el agrado de llegar hasta ustedes; en esta oportunidad, les ofrecemos nuestra novena entrega, el cuarto de nuestra segunda serie de tres que nos hemos propuesto hacerles llegar, en esta oportunidad extendemos nuestras condolencias por el fallecimiento de Seka una de nuestras grandes ceramistas, referencia neurálgica al momento del estudio de la historia de esta disciplina en nuestro país.

Foto de la pieza de la ceramista Seka Severin.

También aprovechamos este editorial para extenderle un agradecimiento a la investigadora Susana Benko, por la gentileza de suministrarnos imágenes de la recientemente clausurada muestra individual de Hector Fuenmayor “Cruz y Ficción” realizada en los espacios del Centro Cultural Chacao contando con la curaduría de Jesús Fuenmayor, ademas de imagenes de la excelente muestra “Interconexiones", que aún puede apreciarse en los espacios de la Galería La Cuadra, una curaduría de Miguel Miguel, a quien también agradecemos que nos ha hecho llegar su último artículo publicado en el periódico Tal Cual el día 31 de agosto de 2007.

En este número:

Articulo:

Bufonada en Venecia- Miguel Miguel.

Galerías:

Alternativa, Elvira Neri Galeria de Arte- "Quimeras de Viento" Clemencia Labin

Galería La Cuadra - "Interconexiones" (Muestra colectiva) Una curaduría de Miguel Miguel

Galería Spazio Zero - "Dibujhatos" - De 77 (Starsky Brines y José Vívenes) Una curaduría de Alberto Asprino

Museos:

MAC - Rodrigo Benavides - "La llanura improsulta"

MAC - Spencer Tunik

Otros espacios:

Centro Cultural Chacao- Hector Fuenmayor "Cruz y ficción". Una curaduría de Jesús Fuenmayor

TAC (Trasnocho Cultural) - Jesús Ochoa "Colores de Venezuela"

Sala Mendoza - Gerd Leufert "Antológica 1960-1972. Pinturas/Listonados". Una curaduria de Ruth Auerbach.

Espacios del nivel P.P. del Hotel Paseo Las Mercedes- Javier León "Rótulos". Una curaduría de Miguel Miguel.

La Carnicería Arte Actual - Paul Parrella "Intemperie"

Internacionales:

El Futuro es hoy- Fototeca de Veracruz en Mexico.

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Artículo

Bufonada en Venecia

Con varios meses de retraso, ya que el tradicional carnaval veneciano se celebra puntualmente en febrero de cada año, las "autoridades" de la cultura de la Pequeña Venecia decidieron enviar a una pareja de trasnochados bufones como representantes de nuestro país en la bienal de arte que desde hace más de un siglo se realiza en la Ciudad de los Canales. Chavistas a rabiar -por convicción y aún más por conveniencia- el venezolano Eloy Feria y su concubina francesa Françoise Vincent, co-fundadores de un círculo del terror en París, son ambos seudo artistas. En una reciente e insignificante exposición de Vincent + Feria -como se hacen llamar estos dos coleados, por ahora, en el arte venezolano- realizada en el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas, en un aviso construido con letras de neón, se leía Mr. Danger, como claro ejemplo de su arrodillamiento ante el régimen y su adulancia nauseabunda hacia el inculto teniente coronel. En una prestigiosa confrontación donde los países se esmeran en enviar a sus mejores artistas, a sus cuartos bates, Venezuela envía a dos oportunistas saltimbanquis que, aunque de quinta categoría -como el régimen autoritario y ladrón que representan- reflejan a cabalidad -y en esto acertaron bien quienes los escogieron- la situación actual de un país inmerso en la mayor crisis de su historia. Un país que se ha destacado por poseer creadores visuales de importancia internacional, donde actualmente hay jóvenes activos de indiscutible talento que nos pudieran representar muy dignamente y a la par de los mejores de otras naciones. Pero que irresponsablemente, envía a la Bienal de Venecia a un dúo de facinerosos, falsos artistas descaradamente arribistas por el sólo hecho de ser rojo, rojitos. Durante los cuarenta años de democracia Venezuela estuvo representada en Venecia por maestros como Jesús Soto, Marisol, Carlos Cruz-Diez, Alejandro Otero, Omar Carreño, Jacobo Borges o Luisa Richter, y por artistas de posteriores generaciones como Roberto Obregón, Rolando Peña, Víctor Lucena, Julio Pacheco Rivas, Victor Hugo Irazabal, Axis+Cucher, entre otros. (Permanecerá por siempre como un error de importancia histórica el no haber enviado a Meyer Vaisman con su extraordinaria y profética obra Verde por fuera, rojo por dentro, hoy más vigente que nunca). Mención aparte merece Antonio Briceño, el artista que incómodamente comparte el pabellón diseñado por el arquitecto veneciano Carlo Scarpa, con la dupla de arlequines Vincent + Feria. Sin duda superior a sus acompañantes seudoartistas, sus trabajos fotográficos, aunque correctamente ejecutados, sin embargo rememoran imágenes de calendarios para obsequios institucionales de fin de año, fotos posadas y trucadas más acordes para la revista National Geographic o, como escribió uno de los escasos visitantes al recinto venezolano en el libro de visitas colocado a la entrada del pabellón, "Me encantan sus fotografías porque se parecen a las de United Colors of Benetton". Resulta repugnante que personas que surgieron en el medio del arte antes de la "revolución cultural" se sometan a las ideas descabelladas de su jefe inmediato, un ministro de la Cultura cuyo eje de gestión se ha sustentado en parámetros populistas, mediocres y baratos. En lo que concierne a nuestro arte, el daño que este régimen destructor le ha causado, ha sido demasiado grande. Todos esos funcionarios tendrán algún día -esperemos que más temprano que tarde- que responderle a la justicia. Y nunca es reiterado recordar que la justicia a veces tarda, pero llega.

Miguel Miguel

Galerías

En las salas de Alternativa, Elvira Neri Galería de Arte, se presenta la exposición “Quimeras de Viento” de Clemencia Labin; excelente muestra, con la carga explosiva que caracteriza a esta artista maracucha residenciada desde hace varios años en Alemania. Nos encontramos con una intervención site-especific, que estuvo acompañada de un performance el día de la inauguración (5 de Agosto), así los ductos de aire acondicionado de la galería fueron intervenidos y desde los mismos se desprenden salpicados de pinturas que una vez incorporados en el piso recrean lo accidental como fenómeno estético, además la exposición esta conformada por un grupo de sus “Pulpas” entre la que destaca la Mega-pulpa, expuesta en la sala uno, también se exponen en esta oportunidad unas piezas interactivas en la que decenas de almohaditas de colores estan adosadas en unas estructuras reticulares con las que el espectador puede interactuar creando sus propias composiciones.

Hasta el 9 de Septiembre se puede apreciar “Interconexiones”, una curaduría de Miguel Miguel en los espacios de la Galería La Cuadra en los Palos Grandes; un implícito homenaje a Gego, como una de las posibles aristas de lectura propuesta para el acercamiento de las investigaciones de quince creadores. Así: Vicente Antonorsi, Milton Becerra, Paulo Castro, Isabel Cisneros, Asdrúbal Colmenárez, Alexander Gerdel. Mercedes Elena González, Rámses Larzábal, Javier León, Luis Lizardo, Ángel Marcano, Emilio Narciso, Anita Pantin, Milagros Pérez, Juan Carlos Urrutia. Son los artistas participantes en la muestra.

Vicente Antonorsi, una vez mas nos sorprende con la aplicación de materiales nuevos a su obra logrando siempre su característico acabado post minimalista.

Una instalación de distintas calidades de plasticos trenzados tomados de elementos cotidianos constitutyen la obra del joven artista Emilio Narciso.

Obra de Paulo Castro en la exposición de Interconexiones. Interesante los resultados que con la aplicación de telas de lycra a su caracteristica técnica obtiene este artista en esta llamativa pieza.

Tres piezas de papel una de ellas constituida por un libro guillotinado y otras dos de papel de algodon azul cosidas conforman el conjunto presentado por Milagros Pérez.

Cinco estructas elaboradas con los corchos procedentes de cinco inauguraciones: John Lange en el TAC, Ramsés Larzábal en la Galeria Faría Fábregas, J. J. Moros en la Galeria La Cuadra, Luis Molina-Pantín en la Galeria Fernando Zubillaga y Maria Cristina Carbonell en la Galeria La Cuadra conforman el comentario que que con su serie Shows nos hace Javier León acerca de este aspecto de la recepción de las exposiciones de arte.

Alexander Gerdel nos muestra en esta oportunidad como nimios materiales pueden ser sensibles de convertirse en objetos artísticos con una atinada sensibilidad formal.

Luis Lizardo nos sorprende escarbando dos ejemplares de la Revista Complot ofreciendo como resultado unos anti collage que dan cuenta de la ya reconocida sensibilidad estética, que a través de la composicion y color ha caracterizado la trayectoria de este artista.

Obra de Juan Carlos Urrutia otro participante de la muestra.

Desde el Jueves 23, también inauguro en la Galería Espazio Zero en Altamira la exposición a dos manos de 77, que es como han dado en llamarse Starsky Brines y José Vivenes al momento de actuar en dúo. Aunque interesante, pareciera que estos dos artistas son mejor cada uno por separado, sin embargo, no deja de ser encomiable ese esfuerzo de trabajar en conjunto, así, aunque con cierto semblante contemporáneo, la simulación del dibujo de los niños o de algún estado alterado, no pasa de ser eso: puro “gesto”. Sin embargo estos trabajos reflejan una coherencia soportada en los lenguajes personales de cada uno de ellos, obteniendo asi trabajos de calidad . El curador de la exposición fue Alberto Asprino quien en el texto elaborado para la muestra nos señala: “Los bocetos que cada uno guarda como bitácora diaria en la estancia, salen a encontrar el diálogo en la mirada devuelta del otro”.

MUSEOS

En las salas del MAC puede apreciarse la más reciente muestra de Rodrigo Benavides y el resultado del performance de Spencer Tunick llevado a cabo en la avenida Bolivar el pasado año, la presentación esta acompañada de una breve sinopsis del cuerpo de obras que de este tipo viene llevando a cabo ( aparecen reseñadas a razón de una por año) desde hace más de una década.

Spencer Tunick

Otros Espacios

En los espacios del Centro Cultural Chacao recientemente se presento la muestra individual “Cruz y Ficción” de Hector Fuenmayor, quien no realizaba una exposición individual desde 1979. En la exposición pudo apreciarse bajo la curaduría de Jesús Fuenmayor un conjunto de 25 piezas, entre esculturas y fotografías, entre ellas la obra homónima de 1978, además de un conjunto de piezas donde el artista interviene la imagen de Cristo dejando solo las extremidades utilizando como soporte imágenes de obras canónicas de la historia del arte.

En los nuevos espacios de la Sala Mendoza se exhibe la muestra antológica de Gerd Leufert pintor 1960-1972 donde pueden apreciarse las pinturas y listonados realizados por este artista en el periodo descrito, esta permanecerá abierta hasta el 23 de Septiembre. La curaduría fue realizada por Ruth Auerbach, quien tuvo a bien la atinada selección y reunión de más de cuarenta obras de este importante creador del diseño grafico en su etapa de pintor. “La suya corresponde a una poética formal que manipula la ambigüedad espacial y el uso de correspondencias cromaticas disonantes- verdes, naranjas, violetas- hasta alcanzar una geometría constructiva vulnerada por la emoción; Leufert desafía así la ortodoxa rigidez de la estructura, cuestionando la armonía tradicional de primarios y segundarios, postulada por el arte abstracto y cinético”. Palabras de la curadora de la muestra, la cual recomendamos ampliamente.

En las Salas de Trasnocho Cultural puede apreciarse la muestra individual del fotografo Jesús Ochoa, versada en las fiestas populares de nuestro país.

Rotulos es el nombre de la recien inaugurada exposicion de Javier León que cuenta con la curaduría de Miguel Miguel, así desde el 30 de agosto y hasta el 26 de septiembre podra apreciarse, en los espacios del nivel PP del Hotel Paseo Las Mercedes, en esta muestra en la cual el artista presenta una instalacion de fotografias versadas en los textos rotulados que suelen acompañar a las exposiciones en museos y galerias, mostrandonos la presencia cada vez mayor de textos en las exposiciones los cuales compiten en tamaño, ubicacion y vistosidad con las obras de arte que acompañan; de cara a ofrecernos un discreto perfil de cuando se escribe junto al arte.

Desde el Miércoles 22 de Agosto puede apreciarse en La Carniceria Arte Actual la muestra Intemperie del joven pintor Paul Parella. Es una propuesta en la que los espacios de la exposición están forrados de cuadros pintados con blanco y negro, hechos con la misma formula: basados en “anotaciones” de las sombras de los árboles. De modo que nos encontramos con una propuesta de pintura en la más pura tradición del expresionismo abstracto norteamericano de los años 50`s con un empaque post-conceptualista, que enuncia su diferendo desde su particular poiesis tropical. Encontramos un poco la influencia o reminiscencia con algunas obras de Sigfredo Chacón. Interesante planteamiento.

Internacionales

El Futuro es hoy, es la muestra de fotografos venezolanos presentada en Mexico. Organizada por Oficina #1, cuya curaduria fue realizada por Sagrario Berti, Suwon Lee, Yuri Lizcano, y Luis Romero en la fototeca de Veracruz en Mexico.

Fotografia de Angela Hernández.

Fotografía de Beto Gutierrez.

Fotografía de Martín Castillo y María Antonia Blanco.

Fotografía de Yuri Liscano.

Douglas Gordon, 2007, italia.

Boletín 3. Serie 2.

noreply@blogger.com (ceeipc) — Sun, 22 Jul 2007 00:56:00 +0000

Con unos días de atraso aquí les traemos nuestro octavo Boletín CEEIPC-talk. A principios de este mes asistimos a la FIA en su edición número dieciséis, además también reseñamos las exposiciones Jóvenes con FIA en las salas de Corp Group y “Desconfia” en Oficina Nº 1. En esta oportunidad presentamos el artículo publicado en su momento en el periódico “TalCual” y que tuviera a bien cedernos el académico y crítico Roldán Esteva-Grillet con motivo de la muerte de Juan Carlos Palenzuela; un agradecimiento para él. También desde aquí les deseamos éxito a la nueva galería de arte contemporáneo FARÍAS+FÁBREGAS que abrió sus puertas este mes de Julio en Chuao. También les suministramos información sobre los jurados para el VII Salón Pirelli. Además una interesante reseña sobre la muestra “Amarres y Destellos” Homenaje a Armando Reverón que desde Mayo se presenta en el Ateneo de Valencia.

En este número:

Artículo:

"Un crítico menos" de Roldán Esteva-Grillet

FIA:

Hotel Tamanaco, Las Mercedes

Jóvenes con FIA:

Corp Group, La Castellana

Galerías:

Nueva Galería Farías + Fábregas

En Valencia:

"Amarres y Destellos", Ateneo de Valencia

Otros espacios:

Oficina Número 1, en los galpones del Periférico Caracas, Los Chorros

VII Salón Pirelli

Jurado

Internacionales:

Richard Serra, MoMa

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Artículo

UN CRÍTICO MENOS

Roldán Esteva-Grillet

La racha se inició con dos mujeres, formadas en la Universidad Central de Venezuela, que se dedicaron, una a la investigación y curaduría de fotografía (Josunne Dorronsoro), la otra a la crítica de la fotografía (Mariana Figarella). Fallecieron en plena madurez intelectual, en plena producción. Sus principales libros resultaron póstumos. Luego fue la desaparición de dos autores de vieja data, uno pionero de la investigación documental y del atribucionismo en la pintura venezolana, mecenas, curador y promotor del arte contemporáneo (Alfredo Boulton); el otro polígrafo, poeta, traductor, investigador del patrimonio y de la historia, promotor de salones y crítico (Rafael Pineda). La muerte cuando le llega a las personas con obra realizada, se lamenta menos que cuando toca a gente más joven: troncha carreras e interrumpe desarrollos intelectuales prometedores, privando a la sociedad de sus mejores frutos. Acaba de morir Juan Carlos Palenzuela, un crítico pertinaz, “mirón insistente”, latigador de mediocridades engreídas o manipuladores en ciernes. Un hombre que apenas frisaba su medio siglo, del que estuvo treinta años tecleando irreverencias y asertividades, levantado roncha con sus juicios lapidarios y sus escuetos análisis. Que siquitrillaba al más pintado y ensalzaba al menos favorecido. Su distribución de medallas o aplausos de uñitas era parejo: si lo primero despertaba envidias, lo segundo era lo que más hería vanidades. Respetó a pocos artistas de su pasado inmediato: por encima de todos, Reverón, como memoria de lo más trascendente que ha dado el país en la primera mitad del siglo XX; Otero, como el autor más versátil y consecuente dentro de la investigación plástica, acompañada siempre con una gran lucidez en sus reflexiones sobre si o su circunstancia; a Quintana Castillo, de los autores intermedios con la propia generación, aquella que surge con “Las sensaciones perdidas del hombre” o de los “Once Tipos”, cuando los materiales extra artísticos y los conceptos se constituirán en el meollo de las nuevas artes desde los setenta en adelante. Su actividad crítica la repartió entre su columna semanal –en la que reseñaba tanto exposiciones individuales o colectivas, libros sobre arte, problemas institucionales-, la curaduría eventual de exposiciones (casi siempre en museos), la participación en jurados de salones y la publicación de sus propias investigaciones. Entre éstas, dos compilaciones significativas de dos antiguos colegas: Leoncio Martínez y Mariano Picón Salas. Si algo se propuso Palenzuela en la última década de vida, como previendo que ésta se le acortaría, fue llenar la plana que dejó vacía Alfredo Boulton con la segunda mitad del siglo XX, pero ahora asumida con una visión más integral de las artes y ya no más reducida a la pintura. Así fue entregándonos -gracias al apoyo de diversas instituciones públicas y privadas- cuatro volúmenes, ilustrados y documentados, que abarcan tanto la pintura, la escultura, el dibujo y el grabado, como el arte conceptual, el perfomance, el video arte y la fotografía, con referencias al desarrollo institucional y sociopolítico propias de un historiador. Fue ocasional su dedicación a la docencia, pero cuando lo hizo dejó por escrito una revisión crítica del arte del siglo XX que revela, más allá de sus malcriadeces de enfant terrible del periodismo cultural, una mente bien informada y una sensibilidad especial para decir con pocas palabras cuánto podía valer una propuesta artística. Es hora de leerlo, sin prejuicios ni resentimientos.

FIA

En la fotografía Patrick Hamilton, el joven artista chileno quien fue el invitado especial de la FIA este año, además, representado por la galería KBK de México, quienes representan entre otros a: Marcos López y Dario Escobar, invitados especiales en ediciones anteriores. Arriba, imagen de Armando Reverón, artista homenajeado a quien se le dedicara toda la antesala de la feria, pudiéndose apreciar un par de dispositivos de video sobre el artista y su reciente exposición en el MOMA en Nueva York, además de un conjunto de pinturas originales de Reverón.

Vista parcial de la obra de Bae Hyung Kyung en el stand de la galería alemana Adriana Schmidt, cuarenta y nueve cajas de madera cuadradas con una talla en madera cada una que juntas conforman una pieza de tres metros cuadrados, adelante una pieza de bronce de la misma artista.

Obra de Ani Villanueva en el stand de la galería Alternativa Elvira Neri, que se caracterizó por su estilo abstracto conceptual siendo uno de los más atractivos de la feria.

Balones deportivos invertidos es la obra del guatemalteco Dario Escobar presentada por la galería mexicana KBK dirigida por el argentino Ubaldo Kramer.

Obras de Eugenio Espinoza, uno de los pioneros del conceptualismo en nuestro país pudieron ser apreciadas en el stand de Sala Mendoza, dirigida por Ruth Auerbach.

Entre las más destacadas obras que pudieron apreciarse en esta FIA esta este delicado plumaje de María Fernanda Cardoso en el stand de Casas Riegner (Colombia). Abajo, de la también galería colombiana El Museo, obras de Mariana Monteagudo.

Obra de Enrique Moreno en el stand de La Carnicería, Arte Actual. Plausible la participación de espacios alternativos como éste tienen en la FIA, promocionando así el arte de estos tiempos. Obras de Dulce Gómez también pudieron ser apreciadas en este stand.

Salón Jóvenes con FIA

En esta oportunidad se presentó la décima edición de este salón, que desde hace una década acompaña a la FIA. Federica Palomero fue la curadora encargada de ocupar las salas de la Fundación Corp Banca, con la contradictoria conceptualización "Un salón tradicional". Decimos contradictoria, pues tradicionalmente los salones de arte son eventos de confrontación donde los artistas que ocupan las salas mayoritariamente compiten por un premio. En este salón tradicional, los artistas invitados fuera de concurso participaban con más obras que los jóvenes para los cuales esta diseñado esta confrontación en específico, los cuales se vieron reducidos en número y más de la mitad ya habían sido invitados a este evento con anterioridad, siendo que en este momento se cuenta con una prolifera nueva generación de jóvenes artistas. A continuación presentamos imágenes de las tres obras galardonadas.

Reymond Romero, primer premio. Un reconocimiento a la trayectoria. En esta oportunidad, sorprendió con una pieza que se apropia de las características esculturas de Takashi Murakami, con la impronta de la técnica que ha dado a conocer a Romero.

Hase, segundo premio. Una ineficiente presentación de la que pudiera haber sido una interesante propuesta, con lo que tuvo un semblante de ejercicio estudiantil, fue la sorpresa del jurado.

Keyser Siso, trecer premio. Este joven artista ha sido una de las revelaciones de este año. Oriundo de Ciudad Guayana y residenciado en Maracaibo. Nos encontramos aquí con un trabajo austero materialmente, con un asertado uso estético y que toca el sensible tema de las cárceles en nuestro país.

Galerias

Obra de Ramsés Larzábal, en la exposición inaugural de la Galería Farías + Fábregas en Chuao. "Gestos del silencio" es el nombre de esta exposición que se presenta en este espacio que es el garage de una quinta en Chuao, excelemtemente acondicionado en la tradición de las que han sido importantes galerías en New York, Londres o Paris. "Las obras de Ramsés Larzábal son todas ellas, en su diversidad y diferencias, un formidable despliegue "rizomático", en el que un conjunto específico y delimitado de preocupaciones, de preguntas y problemas, se entrelazan y se tejen para decir - y decirnos - sus múltiples modos de operar, como de proceder." Así comienza el ensayo de la investigadora Sandra Pinardi en el bello catálogo editado para la ocasión.

En Valencia

En el Ateneo de Valencia actualmente se puede apreciar la muestra, "Amarres y destellos", la cual contó con la curaduría del también artista plástico Clemente Martínez. En la misma podemos apreciar obras de un grupo importante de jóvenes artistas quienes ocupan dos de las salas del Ateneo los más conocidos y los espacios alternos del mismo los mas noveles, acontinuación obras de Edson Cáceda, Keyser Siso y Juan Carlos Urrutia en esta exposición.

Otros Espacios

En los espacios expositivos de Capuy en Chacaito, se presenta, bajo la curaduría de Miguel Miguel, la más reciente exposición individual de Pedro Fermín, la cual todavía puede ser visitada.

En la Oficina Número 1, dirigida por Luis Romero y Suwon Lee, se presento la irreverente muestra "Desconfía", en la que llamó nuestra atención, el excelente video en el que una rata devora a una imagen de Miranda en la Carraca, realizado por Ivan Candeo.

VII Salón Pirelli

Los siguientes serán los jurados encargados de decidir cuales serán los proyectos y obras a participar el próximo mes de noviembre en esta nueva edición de este prestigioso salón que se despidió en 2004 de las salas del MACCSI. En esta oportunidad, por vez primera, como observamos a continuación los encargados no son especialistas en arte contemporáneo:

Laura Carrera.
Directora del Museo de Arte Popular y Artesanías (en proyecto). Antropóloga.

Irene Guillen.
Directora del Museo Arturo Michelena. Ex-gerente de Educación del MBA.

Armando Arce.
Director del Museo del Cine (en proyecto). Especialista en cine.

Sixto Cesarino.
Director del Museo de Ciencia y Tecnología (en proyecto). Arquitecto. Fue Jefe de Museografía de la GAN en los 80 y socio de la galería "Los tres marqueteros", recientemente fue el Director del Museo de Ciencias.

Luís Galindo.
Director del Museo de Ciencias y del Museo de la Diversidad Cultural (en proyecto). Antropólogo.

Internacionales

'Richard Serra Sculpture: 40 years' es el nombre de la retrospectiva que se lleva a cabo actualmente y hasta el 10 de septiembre en la salas del MoMA de Nueva York de este emblemático escultor. Para una visita virtual de esta exposición, haga click aquí. Abajo, una vista del montaje de ésta y otras propuestas expositivas de este prestigioso museo.

Recuerde agregar su comentario.

Boletín 2. Serie 2.

noreply@blogger.com (ceeipc) — Tue, 26 Jun 2007 20:52:00 +0000

757 visitas ha recibido su nuestro boletín hasta el número anterior, el cual ha sido el más visitado siendo visto por 218 de ustedes, muchas gracias.

En este boletín CEEIPC-talk presentamos un artículo de lujo sobre Armando Reverón, artista homenajeado en esta edición de la Feria Iberoamericana de Arte, la cual puede visitarse actualmente en el Hotel Tamanaco hasta el lunes 2 de julio. Este artículo fue realizado por Eleonora Croquer Ph.D., coordinadora de la maestría de literatura latinoamericana en la USB, y esta por aparecer en la revista EscritoS de la escuela de artes de la UCV, un especial agradecimiento para ella; además, ofrecemos una reseña sobre la exposición Mínimo en el MBA y lo mejor de la agenda cultural de nuestra ciudad.

Desde este editorial le extendemos nuestras congratulaciones a Reymond Romero, artista ganador de jóvenes con FIA, exposición sobre la cual haremos referencia en nuestro próximo Boletín, de igual manera sobre la FIA. También lamentamos la situación por la que hoy atraviesa el Ateneo de Valencia, nos solidarizamos con su buena gente y también le dedicaremos espacio próximamente, por lo que cualquier información que tengan a bien mandarnos al respecto se lo agradeceremos.

En este número:

Artículo

El "caso" del artista (en su escenario) de trapo: Armando Reverón o el oscuro poder de la mirada. Eleonora Croquer.

Museos:

Mínimo: el pequeño formato el pequeño objeto. MBA.

Galerías:

Amazilias. María Cristina Carbonell. Galería de Arte La Cuadra.
Punto y Línea. Nadia Benatar. Galería Alternativa Elvira Neri.
Keyser Siso. Galería Artepuy.

Otros espacios:

Dibujos del Instinto. Dulena Pulgar. La Carnicería Arte Actual.

Internacionales:

Pulgar, en Documenta XII.
"Mercaderes" en la Bienal de Venecia.

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Articulo

El "caso" del artista (en su escenario) de trapo: Armando Reverón o el oscuro poder de la mirada. Eleonora Croquer.

RESUMEN: A partir de la proposición lacaniana de «la mirada como objeto a minúscula» (objeto inscrito en la fabulación fantasmática del deseo y suplementario, por ende, a la deriva descompensada del goce), el presente trabajo intenta un recorrido a través de la iconografía fotográfica del pintor venezolano Armando Reverón. Las sucesivas series de fotografías sobre este artista moderno de la plástica venezolana (Alfredo Boulton [1930] Jean de Menil [1940], Victoriano de los Ríos [1950] y Ricardo Razetti [1959]), recientemente expuestas por Luis Pérez Oramas (La construcción de un personaje. Imágenes de Armando Reverón, Trasnocho Cultural, Caracas: del 30 de septiembre al 7 de noviembre de 2004), en mi opinión, constituyen momentos elocuentes del intercambio entre exhibición, exhibicionismo y pulsión escópica que atraviesa en múltiples sentidos eso que, desde esta perspectiva, podríamos pensar como el artefacto Reverón: un significante que actúa su diferencia para placer (y horror) del ojo que insiste una y otra vez en mirarlo.

Haga click aquí para leer el articulo.

PALABRAS CLAVE: Reverón, Lacan, iconografía, mirada.

Museos

MÍNIMO

El pequeño formato

El pequeño objeto

En la Sala 3 y en el Gabinete de Dibujo, Estampa y Fotografía del MBA se presenta esta exposición que empezará el 20 de Mayo y clausurará el 16 de Agosto, y cuya curaduría y textos fueron realizados por Milagros González.

Una caja de sorpresas esta heterogénea muestra en la que conviven pluralidad de obras acompañadas de textos que aparecen por casi todas partes (dos de ellos fueron rotulados en el piso), y que se desarrolla en trece apartados, como queda especificado en la hoja de sala, un desplegable en el cual aparecen planos de las dos salas con la respectiva señalización de la ubicación de las trece secciones, además de los textos antes mencionados, aunque no todos, puesto que en la sala hay más citas que las trece aparecidas en el desplegable.

Ahora bien, a pesar de la perspectiva francamente a lo “New Age” de la curaduría propuesta, y la superficialidad que esta tendencia conlleva, la selección de las obras es excelente, se puede apreciar un extraordinario conjunto de obras de primer orden de la colección de la fundación de museos nacionales, de cara al tema planteado.

Así, un conjunto de citas de Gastón Bachelard, curiosamente todas de la poética del espacio, acompañan a las cuatro primeras secciones de la exposición, denominadas: más allá de la lógica, El tiempo detenido, el espacio, La lupa (lo micro); a continuación, ofrecemos aquí el orden planteado y la autoría de la cita que acompaña cada sección: El universo (lo macro) William Blake, De adentro para afuera (y viceversa) Alejandro Salas, el reino de los hombres William Shakespeare, El reino de los cielos Mateo 13:31-32, La muerte Lewis Carroll, La cotidianidad vista desde los objetos Jonathan Swift, Las personas Hans Christian Andersen, La escala Lewis Carroll y Los animales y las plantas Julio Cortázar.

Más allá de una asertiva selección de citas, dirigidas mayoritariamente a exaltar el niño en nosotros, el excesivo recurso de estos textos en sala se nos torna inocuo, y hasta decorativos en tanto que la muestra carece de una perspectiva teórica, y en el texto de presentación, se nos señala refiriéndose al uso del pequeño formato por los artistas: “….permite hablar al alma de manera frontal, sin la investidura ni la grandilocuencia de la obra que nace para la admiración de todos.” Es de inferir de aquí que la grandilocuencia esta asociada únicamente a los grandes formatos…..o que las pequeñas obras no nacen para la admiración de todos.

Entre los autores de las obras que se pueden apreciar en esta muy buena exposición se cuentan: Alejandro Otero, Carmen Calvo, Roberto Obregón, Luís Camnitzer, Armando Reverón, Ferdinandov (con un dibujo de su mitica capsula para pintar debajo del agua), Enrique Avril, Carlos Puche, Jesús Soto, Gego, Arturo Michelena, Christian Boltanski, Cristóbal Rojas, Christo, Herrera Toro, entre otros.

En el Gabinete de la estampa, última parte del recorrido de MÍNIMO (los animales y las plantas), puede apreciarse entre otras, las obras de vídeo de M. Fernanda Cardoso, sobre un circo de Pulgas y el camino de las hormigas de Antonieta Sosa, ambos con auténticos insectos y de excelente calidad.

Excelente muestra sobre la que pensamos se ha podido realizar un perfil conceptual más elocuente, sin que por ello deje de ser interesante lo planteado. El pequeño formato, el pequeño objeto, son sin duda tópicos con potencial sobre el cual dilucidar, y ofrecer análisis más allá de los fantásticos cuentos de los pulgarcitos, Gulliver, Alicia en el país de las maravillas o Hamlet, que son nuestros compañeros de viaje en este proyecto curatorial que incursiona en la fenomenología de lo imaginario de Bachelard: “La vela que se apaga es un sol que se muere. La vela muere más suavemente que el astro del cielo.” En “la llama de una vela”.

Imagenes

Christo, Cildo Meireles y Capsula para pintar de Nicolás Ferdinandov.

Bibliografía

Bachelard Gastón. La llama de una vela monte Ávila Editores,. Caracas 1975.

Galerías

Desde el 13 de junio puede apreciarse el la Galería La Cuadra, en Los Palos Grandes, esta interesante muestra individual, de la ganadora del 63 Salón Arturo Michelena en 2006. El vídeo AMAZILIAS en el que un colibrí de la especie Amazilia viridigaster fue filmado hace diez años mientras tomaba agua de un bebedero preparado por la artista diariamente durante dos meses, da nombre a la exposición. “Amazilia, como imagen estética vista en el contexto del arte, conserva su poder de embelesar, no existe en esta obra parodia o ironía, solamente belleza” leemos en el elocuente texto que para esta muestra realizara María Elena Huizi. Así 5 vídeos, cinco almohadas, dos de ellas en bronce patinado y tres en fibra de vidrio y la instalación hojarasca, conformada por 91 hojas de vidrio, conforman esta excelente muestra.

Una sublime “Neblina” es una de las posibles sensaciones que emana de la última producción de Nadia Benatar en ALTERNATIVA, Elvira Neri galería de arte, interesante este planteamiento de dibujos en el aire sobre soportes de plástico blanco, con delicados tramados y esferas de alambre le otorgan gran distinción a esta exposición que vale la pena visitar. El texto de la hoja de sala fue realizado por Elida Salazar.

Otros espacios

“Este denso cuerpo de obras, cuya vocación compulsiva precisamente exterioriza el seguro y rabiosamente contemporáneo trazo de Dulena Pulgar, desde un radical gesto que es, finalmente, una producción del instinto.” Es como finaliza su texto Carlos E. Palacios, curador de esta muestra donde se expone una extensa parte, del más extenso aún cuerpo de obras de esta artista. Un poco excesiva la museografía aunque contribuye a exaltar este registro hacedor de continuo transitar que nos ofrece la artista. Esto en La Carnicería, arte actual en La California Sur.

Keyser Siso es el nombre del joven artista de Puerto Ordaz que presenta su muestra individual en Caracas,en la Gáleria Artepuy, mismo que recientemente ganara una mención de honor en el Salón Caroní y el segundo premio del Salón Jóvenes con FIA.

Internacionales

la singular revista de publicación ocasional que edita el artista Luís Romero a manera de curadoría abierta, y como exposición impresa: "Pulgar" fue invitada a participar entre las revistas más prestigiadas del planeta en este rubro en la Documenta XII en Alemania.

Mercaderes en Venezia

Ángela Molina

Reportaje aparecido en la revista española Babelia

La mercantilización global del arte parece ser la auténtica protagonista de la Bienal de Venecia. El comisario Robert Storr ha convertido esta edición en un peregrinaje por las nuevas marcas en una sociedad donde ya apenas existe la política cultural.

Si, como llegó a pensar Baudelaire, la crítica de arte ha de ser poética, apasionada, parcial y política, entonces el rastreo de una bienal como la que se ha inaugurado en Venecia ha de ser también una actividad política e ideológica urgente, una recelosa lectura del actual momento libidinal del arte caracterizado por un -nada sofisticado- impulso a liquidar existencias y, sobre todo, stocks ideológicos. Como en el episodio de El Mercader de Venecia, vemos a lo largo de las exposiciones que tienen lugar en los Giardini y Corderie a los opulentos shylocks del arte que han decidido obtener el pago de sus deudas o llevarse "una libra de carne" (del comisario), codillo o chicharrón, no importa qué tajada.

Desconcierta que el afamado Robert Storr haya tenido tan poca fluidez natural o intuición como artista. Él mismo afirma ser pintor, también es historiador, crítico de arte y, ante todo, baudeleriano. Pero su bienal es penosamente mala, torpe y frustrante. La razón no se puede encontrar en otro sitio que en el sistema actual del arte, colonizado por el consumo, sus códigos y su lenguaje. De él no pudieron escapar ni Harald Szeemann, ni Francesco Bonami, ni María de Corral, ni Rosa Martínez. Pero en el caso del curador norteamericano, resulta algo más que una conclusión sustantiva, pues prácticamente todo el recorrido por la bienal conduce al visitante, con suficiente naturalidad, a una situación de mercantilización global del arte que no puede ser controlada de frente. Al no haber excelencia artística, ni mediación, ni fuerza de pensamiento capaz de sobrevivir a las afinidades electivas de estética y capital, la bienal de Robert Storr se muestra, desde luego, sujeta a las más graves sospechas y críticas.

Por desgracia, este hecho resulta particularmente evidente en el pabellón italiano, el llamado "núcleo duro" de la bienal, donde entre otros artistas conviven Sigmar Polke y Gerhard Richter. Storr no ha hecho el esfuerzo de mostrar la profundidad de la pintura de dos de los pintores vivos más extrañamente solitarios del momento; al contrario, ha utilizado el espacio como si fuera una galería de arte, en cuyo centro ha colocado las impresionantes piezas de las últimas series de Polke (Jugendstil, 2006, Neo Byzantium, Axis of Time 2005), cortesía de la galería Michael Werner (esta última serie, por cierto, acaba de ser comprada por la colección Pinault). A pocos metros, Gerhard Richter se presenta más discreto pero con parecida omisión histórica: seis grandes formatos abstractos de reciente factura que quieren ser "la demostración de la belleza de la negación" (Storr), un eco de la música de John Cage. Otros artistas sujetos al canon, como Robert Ryman, Susan Rothenberg, Bruce Nauman, Elisabeth Murray, Sol LeWitt, Ellsworth Kelly, Louise Bourgeois (Suite for Harry Truman, 2005) o Martin Kippenberger carecen en esta bienal de voz poética, de perspectiva visionaria; en su lugar, sus trabajos aparecen invertidos en formas esencialmente decorativas de esteticismo académico. El caso más irritante es el de Nancy Spero, maltratada increíblemente en la entrada del pabellón, cortesía de la galería Lelong. Cabezas sufrientes, decapitadas (Maypole, 2007), que penden del techo como frutos de un árbol, son un alegato contra la obscenidad de la guerra; pero allí instaladas parecen triviales, desplazadas y enfriadas del afecto que podría sugerir un buen montaje que incluyera otros trabajos con los que la artista norteamericana fuera capaz de dar una verdadera visión de la tragedia humana. Ésta es la versión moderna de Robert Storr, el comisario llamado a insuflar vida en la reseca imagen de la Bienal de Venecia, y cuya falta de destreza narrativa ha hecho de esta edición, titulada Piensa con los sentidos. Siente con la mente, un peregrinaje por el arte convertido en marca, el emporio donde las galerías más potentes del mundo han plantado su chiringuito, que son las que hoy otorgan sentido a la política de la cultura en una sociedad donde ya casi no existe política cultural.

Algunas obras incluidas en la Corderie plantean sorpresas. Son pocas. Porque, al igual que en el pabellón italiano, la mayoría de los trabajos se exhiben como objetos aislados de un contexto, lo que tiene que ver con la arbitrariedad del entorno del arte actual (aunque, en honor a la verdad, no tan azarosa, ostentosa y ordinaria como el despropósito de la colección Pinault en el palacio Grassi). En ella, Storr ha dado rienda suelta a su intuición, no sin una deliberada provocación -sólo se queda en eso- a la política de su país y a los planes de economía de guerra de Bush.

En el atractivo corredor de la

Corderie, contados trabajos consiguen llevar al artista hasta las regiones remotas del arte. El cineasta chino Yang Fudong, con su último filme, Siete intelectuales en un bosque de bambú, ha creado una bella alegoría de la búsqueda de la libertad a través del conocimiento. Su película, de cinco horas de duración y basada en la vida de siete pensadores de principios del siglo XX, está fragmentada en cinco pantallas distribuidas a lo largo del recorrido. No es la mejor manera de verla. A no ser que uno quiera llevarse una impresión visual diferente, un perfume. La pieza de Ignasi Aballí, Lists (1997-2005), hecha con tipografías de titulares de prensa, es una bella abstracción de la triste condición humana. Francis Alÿs presenta el vídeo Bolero (19962007), un auténtico fénice si no fuera por el abrumador montaje (511 dibujos) del making-off que barroquiza la obra en lugar de acentuar su minimalismo. Por cierto, el MOMA la adquirió, nada más inaugurarse la bienal, a la galería David Zwirner de Nueva York. La instalación de Luca Buvoli, a partir del manifiesto futurista italiano, es una de las mejor formalizadas de la bienal, al igual que las esculturas neoconcretistas del brasileño Waltércio Caldas. El austriaco Rainer Ganahl reúne una serie de fotografías con los retratos de intelectuales e historiadores disertando en simposios relacionados con el mundo del arte y la sociología (destaca la singular imagen de Rosalind Krauss). Entrañable es el trabajo del alemán Felix Gmelin, un lujo "apropiacionista". Dimitri Gutov y David Riff interpretan en clave pictórica los escritos, con sus traducciones, de Karl Marx.

Con relación al pabellón español, nada que añada alegría y cordura a esta bienal. El trabajo -pretencioso, trivial- de Alberto Ruiz de Samaniego deja implícito que es necesario revisar el "protocolo" a la hora de escoger el comisario. Sophie Calle, posiblemente la artista más sobrevalorada de esta bienal, no se complicó la vida. Decidió seleccionar al comisario de su exposición en el pabellón francés a través de un anuncio en el periódico. De entre los que respondieron a la convocatoria, optó por el artista Daniel Buren. Una broma. En España lo echamos a suertes. O casi.

Imagen: Propuesta del colectivo brasileño Morrinho Project- A. M.

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Boletín 1. Serie 2.

noreply@blogger.com (ceeipc) — Wed, 13 Jun 2007 16:39:00 +0000

Es un agrado para nosotros acercarlos de nuevo a ustedes a este subjetivo recorrido por lo que en nuestra plástica acontece. Así, seguimos ahora en un nuevo formato tratando de hacerles llegar las exposiciones que a nuestra consideración tienen mayor relevancia en nuestra ciudad. Casi siempre procurando ofrecerles una información que no solo sea reseña sino una invitación a la reflexión.

En esta oportunidad iniciamos un nuevo ciclo de este boletín, que auspiciado por el CEEIPC y talk., les estará llegando durante cinco quincenas.

Agradecemos la buena recepción que de ustedes hemos tenido. Nuestra primera serie, de la cual ofrecemos un enlace aquí, fue revisada por 539 visitantes de 13 países, de los cuales 431 han sido en Venezuela.

En este número:

Museos:

Tovar y Tovar, Galería de Arte Nacional
Armando Reverón, GAN
Los premios del Salón Caroní, MAO

Galerías:

Hogares Infinitos - Rafael Rangel, Galería Okyo
Contemporaneos, Odaly´s

Otros espacios:

Rolando Peña, ONG

Internacionales:

Se acerca la FIA, Hotel Tamanaco
Adriá, Documenta XII
Damien Hirst, White Cube

PINCHE LAS IMÁGENES PARA DISFRUTAR DE NUESTRA BAJA RESOLUCIÓN.

Museos

DON MARTIN TOVAR Y TOVAR

(NUESTRO PINTOR ACADEMICO POR ANTONOMASIA)

En conmemoración de los 180 años de su nacimiento, la GAN (Galería de Arte Nacional) rinde homenaje a Martín Tovar y Tovar (1828-1902), realizando una cuidada exposición en la que se reúnen de forma parcial los distintos registros que realizara este insigne y decimonónico pintor, también uno de los pioneros de la fotografía en el país.

Tovar y Tovar es una figura paradigmática en nuestra historia del arte nacional, nos dice Juan Calzadilla: “Se puede decir que este pintor cambia el rumbo provinciano y naturalista que había seguido la pintura venezolana desde la muerte de Juan Lovera, para imprimirle a nuestro arte una proyección épica desconocida hasta entonces” con lo que tenemos que esta exposición esta dirigida a exaltar el valor “patriótico” de este pintor, promotor de las técnicas renacentistas en Venezuela: “Más que un pintor fue un historiador que plasmó su obra no en las páginas de los libros, sino en sus grandes lienzos.” También comenta Calzadilla.

Así, nos encontramos con un importante cuerpo de obras de Tovar y Tovar presentadas bajo tres ejes temáticos El retrato por encargo (oficial y privado), Pintura de historia y épica y el paisaje teniendo el segundo un lugar neurálgico en la exposición, en cuya presentación, rotulada en la primera pared al entrar a la sala, debajo del nombre del artista el cual fue rotulado en letras grandes y rojas se nos advierte en un segundo párrafo: “Con esta exposición, la Galería de Arte Nacional quiere dar a conocer la imagen de este artista…” , en este punto, pensamos que es más apropiado colocar en esta presentación “quiere contribuir a la difusión”, pues, aunque no esta mal de la forma en que se hace dicha presentación, no exactamente se nos esta dando a conocer la imagen de dicho artista, pues, el mismo es emblemático de la historia de Venezuela impartida desde la educación básica, además de estar expuesta casi permanentemente algunas de sus obras en la misma galería.

Otro detalle que llamó nuestra atención fue que en los créditos señalados en el tríptico de la exposición (el cual tiene un costo de Bs.1000) en el lugar de lo que ya tradicionalmente venimos llamando curaduría aparece Conceptualización de la exposición la cual fue realizada por Marian Caballero y William Niño Araque, inferimos que quizá el termino curaduría tiene una investidura investigativa un poco mas comprometida y elaborada con el tema que se presenta que la solo conceptualización, pues, hay que decirlo, en esta muestra no se ofrecen lecturas arriesgadas o profundas de las obras o del lugar del artista en nuestra historia, tampoco hallazgos conceptuales, si un novedoso dispositivo visual.

Si es de resaltar la buena Museografía realizada por William Niño y Gregorio Siem, nos encontramos con una buena administración del espacio y una correspondiente distribución de las obras de cara a los ejes temáticos propuestos, acompañando cada uno con breves textos rotulados que demarcan los mismos, teniendo un lugar especial en la exposición un análisis del Salón Elíptico, siendo el centro del dispositivo comentado que así se nos anuncia también en la presentación “…todo ello complementado con un itinerario visual que presenta la “ciudad como museo”, es decir, aquellos recintos públicos y privados que albergan el patrimonio pictórico de Tovar y Tovar, hasta llegar a su mayor obra, la batalla de Carabobo (…)que hoy cumple 120 años.”

Para concluir es importante señalar lo significativo de esta muestra que viene a enaltecer a una figura clave en el parnaso de artes visuales venezolanas: Martín Tovar y Tovar nuestro pintor académico por antonomasia, quien supo hacerse del lugar y mecenas desde y con los que pudo legarnos ese gran aporte a nuestra identidad nacional. Además de posicionarlo como “un eslabón entre la tradición de los artistas viajeros que nos visitaron en el siglo XIX y aquellas generaciones que en el siglo XX harían suyo el tema del paisaje”. Con lo cual nos encontramos con uno de los más importantes pioneros de la tradición pictórica del país. Así, un interior, nueve paisajes, un autorretrato, veinticuatro retratos (dos de ellos del Libertador), cuatro de la gesta independentista, además de retrato y bustos del artista realizados por Antonio Herrera Toro (su discípulo) y Pietro Tenerani (escultor) conforman las 41 piezas que conforman esta interesante exposición de este prolífico pintor, además, se puede disfrutar del dispositivo audiovisual antes nombrado en un espacio acondicionado para ello, en cuyas paredes están dibujados con grafito (algo poco usual) unos planos de sección del Capitolio; afuera, en el pasillo, otro monitor un poco desvinculado de la exposición, (entre retratos de artistas venezolanos realizados por otros artistas) nos presenta diapositivas de imágenes de muchas de las obras de Tovar y Tovar.

Bibliografía:
CALZADILLA, Juan. “Pintores Venezolanos 11”. Ediciones Edime.1968.

Foto a través de la mantilla, en la exposición de Armando Reverón realizada en la GAN. Más información y un interesante articulo de este artista estaremos ofreciendo en nuestro próximo boletín.

"Paisajes heroicos" de Miguel Amat, un par de fotografías de lugares donde tuvieron lugar hechos de la gesta independista, fué la obra premiada con el primer lugar en el Salón Caroní. Sachenka Oropeza (reseñada en boletín anterior) fue junto a las fotografías de Lorena Riga, las otras dos obras premiadas. Luis y Fabiola Arroyo, Javier León (también reseñados por nuestro boletín), Arnaldo Delgado, Eduardo Cairus y Keiser Siso, fueran las obras que obtuvieron menciones honoríficas por el jurado. En las fotografías, las obras de Fede Ovalles y Arnaldo Delgado.

Galerías

'Rafael Rangel asume el arte como una realidad tajante, no se va por las ramas, va directo a lo que busca, a lo que lo inquieta: encontrar en el espacio una razón vital para construir su propia racionalidad' son partes de las palabras con las que cierra Alberto Asprino la entrevista aparecida en el tríptico de 'Hogares Infinitos' exposición de esculturas de este joven artista en la galería Okio; piezas que hacen guiño al la tradición abstracta constructiva venezolana, ancladas en la más pura tradición modernista. Cacerolas, potes, cafeteras, fueron algunos de los títulos utilizados por Alejandro Otero para nominar sus primeras composiciones abstractas de fines de los 40's; hoy: Pompones, conserva, chinchoro, campanita, sustenta la poiésis de estos ejercicios escultóricos predominántemente abstractos que con buena factura y una muy buena museografía pueden apreciarce en la calle California Quinta las Churrucas en la urbanización las Mercedes.

Obra de Daniel Medina en la interesante muestra de arte contemporáneo que presenta la Casa de Subastas Odalys, donde también pueden apreciarse obras de Arturo Herrera artista del que poco se ha visto en nuestro país, y que hoy por hoy, es uno de los Venezolanos con mayor resonancia internacional.

Otros espacios

Foto del performance de Rolando Peña en homenaje a RCTV que se hiciera en la ONG para concluir el ciclo de performance que estuviéramos reseñando durante el pasado mes.

¿El petróleo es nuestro? video de Rolando Peña, Voz y cámara de Mariela Casal y Rolando Peña.

Internacionales

En Chuao ya se puede apreciar la publicidad de la próxima FIA a realizarse desde el 27 de junio al 2 de julio en el Hotel Tamanaco.

El 13 de este mes, Ferran Adriá presenta su proyecto para la Documenta 12 de Kassel, el acontecimiento que ha marcado los pasos a lo más avanzado del arte en las últimas décadas. El chef de El Bulli ha preferido guardar el secreto hasta el final. "La intervención es algo tan raro que, si no te lo explican bien, es difícil comprender en qué consiste", afirma. En esta Documenta, Venezuela tendrá representación en un pabellón de revistas alternativas donde se presentará "Pulgar", del artista Luis Romero.

Foto de la obra más cara del mundo de artista vivo. "Por el amor de Dios" es el nombre de esta calavera forrada de diamantes que tiene un costo de £50 millones (casi $100 millones) realizada por el artista Damien Hirst, quien además será el primer artista en colocar una obra de arte fuera del planeta tierra. Este proyecto sera ejecutado en Marte en los próximos años.

Recuerde agregar un comentario y visitar nuestra primera serie.